¿Mudar una ciudad entera? Quizá parezca imposible, pero es lo que le pasó al protagonista de esta historia. Gaspar vivía desde siempre con sus papás, su mejor amigo Fabio y su abuela en una ciudad con río que a él le parecía perfecta. Pero un día se enteró de que había que mudarse: una enorme bola de hierro que colgaba de una grúa fue la primera pista.

InterZona presenta un libro central en la obra de Pascal Quignard en el que indaga sobre lo indecible, a través de la verborragia de un cuento escrito para ser representado y del silencio revelador de un ensayo autobiográfico. Con la ilustre introducción y la clara traducción del poeta y especialista Silvio Mattoni. El nombre en la punta de la lengua transcurre en la Normandía del siglo IX. Quignard sitúa este cuento en un momento preciso de la historia para poder volver al relato sin tiempo, a una forma mágica y circular de la narración: a una chica le gusta un chico, hace un trato para casarse pero no puede cumplir su promesa. La bordadora y el sastre se enfrentan a la noche del mundo con una simple vela y con palabras, necesitan recobrar un nombre, gozar de la felicidad reencontrada en la coincidencia. Pequeño tratado sobre Medusa, interpreta ese volver a la plenitud de la alegría, se adentra tanto en su vida como en la cultura para cristalizar esos momentos de asombro en los que el misterio del lenguaje se muestra como un forma de adentrarse aún más en su perdición.

Disfruté de todo este
material durante su proceso creativo, pero en esta escucha abierta encuentro una
profundidad nueva en esos planos músico-plásticos y una claridad en la aparición
de la voz iluminando, suelta de cuerpo. La producción artística de cada pista me ayuda a
escuchar como por primera vez tantos pasajes que trabajamos desnudos. Me
gusta que suene el piano limpio y todas las veladuras que le siguen, la voz cantada
de verdad y la procesada. Todo está en su lugar. Por eso vuelvo a sentir
que la predisposición de Silvina a abrirse a una nueva mirada propioceptiva
sobre las capacidades sonoras, vibratorias, tímbricas y poéticas de su cuerpo leve fue de
una confianza y generosidad que agradezco profundamente.El buen trabajo es
siempre una resultante de dos fuerzas que se alinean para un fin, simplemente
ocupando cada una el lugar que corresponde y ejerciendo el oficio. Lo que nos cambia
en verdad es el maestro que somos, el que llevamos dentro, el que nos hace decir “no
sé”, el que escucha. La diferencia la hace el alumno. El que se anima.Y por ultimo hace falta
hablar de la Silvina Gandini maestra, docente, promotora y creadora de espacios de
juego y realizaciones concretas que quedarán en la memoria mejor de todos los niños impulsados a romper el molde que
la tuvieron y la tienen como profe. No es menor que la creación de este trabajo
RELEVÉ y el libro que realizó con los relatos y dibujos de sus alumnos, hayan
sido contemporáneos.Que la vida siga siendo a cada minuto celebrada por los gestos
creativos con los que podemos darnos y sanarnos, los unos a las otras y
viceversa, en todos los ámbitos donde desarrollemos nuestras actividades.Lo mejor para este RELEVÉ que soñaste con pasión y por eso te
devuelve la energía para seguir creando más mundos nuevos!!

Fragmento del prólogo escrito por Liliana Vitale

Un ensayo fundamental sobre la melancolía en el Siglo de Oro español, clave para entender su presencia en la Europa moderna. La melancolía, que recorre la historia del mundo hasta nuestros días, es uno de los ejes fundamentales de la cultura renacentista y barroca, e impregna las obras de autores como Shakespeare o Montaigne. Ensayistas como Panofsky, Kristeva o Starobinski la han estudiado desde diversos ángulos, pero conceden escasa o nula atención a su relevancia en el Siglo de Oro español. Es precisamente en este periodo y escenario en el que Roger Bartra centra su atención. El resultado es este importante ensayo que muestra la melancolía como piedra fundacional de la cultura moderna y analiza su eclosión en la España del Siglo de Oro como clave para entender las espectaculares expresiones ilustradas, románticas y existenciales en la Europa de los siglos XVIII, XIX y XX. El libro es una inmersión en las enfermedades del alma barroca española, y descubre las extrañas flores que crecen de ese árbol melancólico. La mirada antropológica del autor permite, además, seguir a peregrinos y caminantes para descubrir en el Quijote las mutaciones que convirtieron el mito de la melancolía en parte esencial de la modernidad. En esta nueva edición del ensayo el autor ha decidido reordenar los textos que lo componen para mejorar su legibilidad y coherencia.

La primera parte de este ensayo se centra en el brillante duelo intelectual que mantuvieron Vladimir Nabokov y Edmund Wilson, mientras que la segunda lo hace en Mary McCarthy y Hannah Arendt. Dos historias de amistades de personajes relevantes de la vida intelectual del siglo XX que le sirven al autor para desarrollar un agudo ensayo de talante filosófico en el que se entremezclan teorías, anécdotas y certeros pensamientos.

La historia de la obsesión de Humbert Humbert, un profesor cuarentón, por la doceañera Lolita es una extraordinaria novela de amor en la que intervienen dos componentes explosivos: la atracción perversa por las ínnfulas y el incesto. Un itinerario a través de la locura y la muerte, que desemboca en una estilizadísima violencia, narrado, a la vez con autoironía y lirismo desenfrenado, por el propio Humbert Humbert. Lolita es también un retrato ácido y visionario de los Estados Unidos, de los horrores suburbanos y de la cultura del pálstico y del motel. En resumen, una exhibición deslumbrante de talento y humor a cargo de un escritor que confesó que le hubiera encantado filmar los picnics de Lewis Carrol.

Madres e hijas: una realidad universal, una relación crucial, y sin embargo, un tema llamativamente ausente de la historia de la literatura.

Para que adquiriese carta de ciudadanía, ha habido que esperar a que las mujeres escribieran y a que fueran configurando una tradición propia. Es significativo que una de las más tempranas obras debidas a una mujer sean las cartas de Madame de Sévigné (1626-1696) dirigidas a su hija. Pero es solo en el siglo XX -a medida que las mujeres escritoras van dejando de ser una rareza- cuando el dúo madre-hija comienza a tener una presencia literaria notable. Las primeras obras en darle protagonismo, como Sido de Colette o Una muerte muy dulce de Simone de Beauvoir, fundan un género -la evocación de la madre muerta- que luego se multiplicará, ramificándose, en obras como las de Annie Ernaux, W.A. Mitgutsch, Carla Cerari, Amy Tan, Isabel Allende o Susanna Tamaro hasta convertirse en un lugar común de la narrativa contemporánea, e inspirar a escritores varones que empiezan a su vez a escribir sobre sus padres.

Aunque la literatura castellana parece peculiarmente reacia al análisis de sentimientos y, en general, a la esfera íntima («Nuestra intimidad es esteparia», se lamentaba Gil de Biedma), la relación entre madres e hijas es un tema presente en la obra de muchas escritoras contemporáneas, como lo atestiguan los relatos -anteriormente publicados- de Rosa Chacel, Carmen Laforet, Carmen Martín Gaite y Ana María Matute que hemos seleccionado. A ellos se añaden otros de autoras más jóvenes, escritos expresamente para este libro y, por lo tanto, inéditos. La figura de la madre, de la hija, o la maternidad en sí, suscitan en cada uno de estos textos visiones muy dispares: declaración de amor, lucha a muerte, fantasía entre angelical y terrorífica, crítica radical a los valores de la sociedad en que vivimos, diferenciación entre madres y mamás, o análisis de sentimientos ambiguos en torno a una madre percibida como nudo gordiano en el que se entrelazan infancia y madurez, agobio y orfandad, rivalidad y adoración... y cuya muerte parte en dos la vida de la hija.

“Para poder escribir así, primero hay que haber vivido así”. La frase es de Hermann Hesse y se refiere a sus cuentos. Es una declaración de carácter autobiográfico de estos relatos. Escribió cuentos a lo largo de toda su carrera (ocupan seis volúmenes de sus obras completas) y parece haber recurrido a este formato para aquellos sucesos que lo implicaban personalmente. Muchos de los oficios de sus personajes fueron ejercidos por él en su juventud. Ese origen explica la impresión tan vívida que estos relatos producen en el lector. Como toda la literatura de Hesse, por ejemplo Demian, Siddharta o Narciso y Goldmundo, destacan por la agudeza psicológica y un lirismo contenido; a diferencia de esas novelas, aquí sorprenden el sentido del humor y las paradojas. Esta brillante selección de Ariel Magnus ofrece un Hesse en cierto modo desconocido o poco frecuentado. Más fresco y cercano, siempre capaz de encontrar la palabra justa, la que es precisa y mágica al mismo tiempo.

Las olas es la novela más "experimental" y excelsa de una de las voces literarias más destacadas del siglo xx. Está organizada en nueve capítulos no numerados ni titulados sino introducidos por sendos pasajes "líricos", en cursiva, donde un narrador en tercera persona va describiendo el transcurso de un día entero en un jardín con vista al mar, semejante al de la casa de su novela anterior, Al Faro. De manera que el día, que es también un simbólico ciclo de nacimiento, desarrollo, muerte y recomienzo incesantes, constituye principio organizador de esta novela, junto con las olas. Al final sólo queda una breve oración para las olas, que siguen y siguen rompiendo, como también romperá, queda en nosotros inferir, una y otra vez el día...

Esta novela breve narra el hallazgo de una perla de incalculable valor y las consecuencias que acarrea a un modesto pescador, Kino, cuyo hijo a sido víctima de la picadura de un escorpión. Sin embargo, el interés de esta novela reside en el enfrentamiento entre dos mundos, el de los ricos y el de los pobres, y en el proceso de cambio en las relaciones humanas en función de la situación económica de las personas. Esto explica que sea una novela ampliamente usada en la escuela para invitar a la reflexión ética. En el centenario de este gran autor era obligado dignificar y poner de nuevo al alcance de los lectores españoles una buena edición en tapa dura de esta pequeña joya literaria.

Es enero del año 1895 y la obra de teatro Guy Domville, de Henry James, que él espera le proporcione una fortuna, demuestra ser un rotundo fracaso en el teatro londinense.

«Hace unos veinte años, una noche en que nuestra enorme familia estaba sitiada por las paperas, mi hermana menor, Franny, fue trasladada con cuna y todo a la habitación evidentemente libre de microbios que yo compartía con mi hermano mayor, Seymour. Yo tenía quince años, Seymour diecisiete. A eso de las dos de la mañana, la nueva compañera de cuarto me despertó con su llanto. Me quedé quieto, en posición neutral durante unos minutos, escuchando el berrinche hasta que oí o sentí que Seymour se movía en la cama próxima a la mía. En aquellos tiempos teníamos una linterna sobre la mesita de noche entre los dos, para casos imprevistos que, por lo que recuerdo, nunca se presentaban. Seymour la encendió y salió de la cama». J.D. Salinger. Edhasa.

En seis decadas de existencia el peronismo ha virado a la centroizquierda, a la centroderecha y a la derecha, ha cobijado a los Montoneros y a la Triple A, ha sido un ferreo defensor del Estado de bienestar y tambien lo ha desmontado. Al cabo de este devenir, y sin excluir nuevas mutaciones en el futuro, sobresale una pregunta: ¿que es finalmente el peronismor ¿Que ha sucedido con la politica argentina desde su aparicionr Pocos libros han logrado dar una respuesta tan clara, vigente y definitiva a este interrogante como Los cuatro peronismos, de Alejandro Horowicz.

En la historia politica de la Argentina no hay hecho mas trascendente que la aparicion y transformacion del peronismo. Desde el 17 de octubre de 1945 hasta la actualidad ha gravitado, y no pocas veces ha pautado, los acontecimientos del pais. En su primera decada en el poder, hasta 1955, incorporo a la vida politica activa a grandes masas obreras, y redefinio el lugar, e incluso el ideario, de los partidos entonces dominantes. Despues de la llamada Revolucion Libertadora, y hasta 1973, proscrito y con Peron en el exilio, fue a menudo el arbitro y la baza que inclinaba la balanza de los gobiernos civiles y militares. Entre 1973 y 1976, con las presidencias de Campora, Peron e Isabel Peron, goberno en medio de las mayores expectativas y termino siendo el campo de batalla donde se midieron la izquierda y la derecha peronista. A la vez, descubrio que sus clasicas recetas economicas no eran viables en un pais que habia virado radicalmente.

Con el retorno de la democracia, en 1983, conocio la derrota electoral. Se supuso entonces que estaba languideciendo, que habia pasado su momento. Nada mas alejado de la realidad. Lo demuestran el decenio de Carlos Menem, el interinato de Eduardo Duhalde, los gobiernos de Nestor y Cristina Kirchner.

Clasico del pensamiento nacional, a 30 anos de su primera edicion, el libro de Horowicz entiende al peronismo y a la nacion con un rigor y una vigencia que lo vuelven insoslayable para entender el presente e intuir el porvenir.

Desde comienzos del siglo XX, cuando todavía era un sueño o apenas un tenue experimento, se auguraba para la televisión un futuro revolucionario. El puntapié inicial llegó recién en la década del cincuenta, y en la Argentina las primeras imágenes televisivas pudieron verse en 1951. En ese año, con Juan Domingo Perón en la Presidencia, se transmitieron actos peronistas, eventos deportivos, ballets oficiales, conciertos. La precariedad dominaba el ambiente, la radio seguía siendo el medio masivo por naturaleza, y recién los primeros televisores, a precios exorbitantes, aparecían reflejados en las publicidades. Ver televisión en ese entonces era una actividad colectiva: varios elegidos se reunían en la casa del agraciado que poseía ese milagro.

Muy rápidamente ese panorama fue cambiando. Los aparatos ingresaron a los hogares, los programas mejoraron la calidad y paso a paso la televisión empezó a develar su destino: cambiar para siempre la relación de las personas con los medios de comunicación. En ese tránsito, fue construyendo su identidad y como no podía ser de otra manera lo hizo interactuando con lenguajes preexistentes: el teatro, la radio, la literatura, la pintura. A la par que se perfilaba como el medio masivo por excelencia, era todavía un campo de experimentación, y aunque hoy parezca osado decirlo, con espacio para ciertos emprendimientos vanguardistas.

En La televisión criolla, Mirta Varela analiza de manera reveladora las dos décadas clave de la TV argentina: la del cincuenta y la del sesenta, es decir desde la primera hasta 1969, cuando se televisan la llegada del hombre a la Luna y el Cordobazo. Veinte años de transformación vertiginosa, donde cambiaron los hábitos de los argentinos, se redefinió el uso del tiempo libre y el concepto de entretenimiento, y se consolidó una inédita relación con la ciencia y la técnica, toda vez que el dominio de este nuevo medio exigía capacidades tecnológicas de primer nivel. Y surgieron las primeras estrellas de la televisión: actores y periodistas, hijos del nuevo medio, que forjaron su lenguaje con él y que en este libro son descubiertos en la intimidad de su trabajo, ahí donde se cruzan lo artesanal y lo técnico.

Hornblower, un tímido y solitario guardiamarina tan sólo diecisiete años, llega a su primer destino: el buque Justinian. Su encuentro con las duras condiciones de vida en un barco de la Armada real británica en tiempo de guerra supone todo un reto para el muchacho, que pronto se verá involucrado en las acciones contra la flota francesa y tendrá ocasión de aprender algunas lecciones que nunca olvidará. Así, tras un temerario duelo del que sale afortunadamente ileso, embarca en la fragata Indefatigable, un navío en el que pretende encontrar las ocasiones apropiadas para un ascenso en su carrera. Abordajes, combates, naufragios y cuarentenas se suceden en diversas misiones con desigual resultado, hasta que el joven marino termina con sus huesos en la prisión militar de El Ferrol.
Un trepidante estreno para un personaje llamado a convertirse en protagonista de una de las más apasionantes series náuticas jamás escritas.

´Los textos que componen este volumen son variaciones sobre un único tema, el tema de una filosofía que se ejerce sobre todo mediante la puesta a prueba de aquellas perspectivas que siguen las pautas de las ocasiones. El tipo de filosofía que yo cultivo -puedo decir ´mi pensamiento´-, está más bien regido por una lógica de la conversación que por una lógica argumentativa cerrada. No obstante, no se ´llega´ aquí desde ninguna parte, ni tampoco se está siempre vagabundeando por los alrededores, sino que se permanece más bien dentro de un horizonte. Esta es, esencialmente además, nuestra propia relación con el ser, pues tal es la apertura dentro de la cual estamos, poco semejantea una estructura sistemática con inicio, medio y fin. ¿Qué se puede esperar, entonces, de un pensamiento tan inconcluyente como este, de uno que en vez de pensar en concluir quiere precisamente permanecer abierto?´ ´Si debo recomendar a cualquiera leer este libro, lo haré, pues, apelando a que su lectura puede mejorarle la vida, y quizá no sólo porque pueda proveerle de ciertos materiales para ´entretenerse´, sino mucho más verosímilmente aún, según el autor al menos, en función de que le puede mejorar la vida porque se la ´cambia´; recuérdese que este era para Gadamer el sentido de la experiencia de verdad en el arte: después de la lectura -en este caso- ya no eres el mismo, y hablando hegelianamente no porque hayas perdido algo, sino porque lo has conseguido, has adquirido esa mutación que acaece en el lector ´

LECCIONES DE INTRODUCCIÓN AL PSICOANÁLISIS
El sujeto no quiere Saber nada del problema con respecto al Saber del objeto, que no hay "razones" para que haya objetos que faltan, pero que éstos faltan. OSCAR MASOTTA 1930-1979 es una figura crucial en la modernización del campo cultural argentino entre los '50 y los '70. En este libro, que contiene un revelador estudio preliminar de Ana Longoni, se reúnen por primera vez en un solo volumen sus textos sobre arte: los originariamente publicados en El pop Art, y Happenings; que hace más de tres décadas que no se reeditan, y dos ensayos incluidos en Conciencia y estructura.

Putnam fue uno de los primeros filósofos que consideró la inteligencia artificial como modelo válido para los procesos de la mente humana. En la década de 1950 inauguró la teoría funcionalista, considerando que los mecanismos de los procesos mentales, análogos a los de las computadoras, eran más importantes que los contenidos o asuntos del pensamiento. Este postulado dio lugar a toda una escuela funcionalista y, ahora, la honestidad científica obliga a Putnam a distanciarse de su propia enseñanza, considerando que el funcionalismo no puede dar cuenta de la naturaleza de estados mentales como la fe, el razonamiento y el saber humano.
Este libro es un balance de toda la carrera intelectual de Hilary Putnam, una autocrítica y un nuevo punto de arranque de uno de los filósofos más importantes de este siglo.

Este volumen contiene una serie de ensayos en los que Hans-Georg Gadamer, uno de los representantes más destaca- dos de la filosofía hermenéutica del siglo XX, se acerca a la lírica alemana contemporánea. Sus reflexiones y comentarios son aproximaciones eminentemente personales a la poesía y reflejan una posición de lector atento y sensible que no pretende construir interpretaciones eruditas de teoría literaria.

Los ensayos de Gadamer convencen y atraen por sus lúcidas y por el equilibrio entre consideraciones estilísticas y temáticas, aspectos biográficos y cuestiones de ubicación sociohistórica y filosófica de los poemas y sus autores.

Objeto de las reflexiones son temas como la actualidad de Hölderlin, la posición de Stefan George en su tiempo, la celebración de Rilke con motivo de su 100 aniversario, la pregunta por el silencio de la poesía en los casos de Paul Celan y Bobrowski, la poesía en el exilio de Hilde Domin y el nihilismo de Gottfried Benn: una aproximación a las tendencias poéticas y los põetas alemanes más significativos del siglo XX.

Hans-Georg Gadamer, catedrático emérito de la Universidad de Heidelberg, nació en 1900 en Marburgo. Estudió filosofía germánica, historia del arte y filosofía y alcanzó el grado de catedrático bajo la tutela de Martin Heidegger, en Marburgo. Entre sus obras cabe destacar. Verdad y método, La dialéctica de la autoconciencia en Hegel, La dialéctica de Hegel, La actualidad de lo bello, La herencia de Europa, Antropología biológica, Nueva antropología, y otras nó traducidas al español como Platons dialektische Ethik, Grundzüge einer philosophischen Hermeneutik, Idee und Sprache y Idee des Guten.