En 2010, en el Museo de Arte Moderno de Río de Janeiro, el artista brasileño Nuno Ramos expone la instalación Fruto estranho. Dos árboles flamboyán inmensos sostienen unos aviones monomotor y gotean soda cáustica sobre un par de contrabajos. Mientras suena «Strange Fruit» —una canción sobre el linchamiento de un grupo de afroamericanos estadounidenses en 1936—, se proyecta una escena de El manantial de la doncella, de Ingmar Bergman. ¿Qué gesto reflexivo propone este cruce de soportes, materiales, referencias, países y tiempos?

En Mundos en común, Florencia Garramuño analiza una serie de obras latinoamericanas que ponen en crisis las ideas de pertenencia, individualidad y especificidad, y que muestran la porosidad de las fronteras entre los diferentes campos de la estética. ¿Qué potencial crítico y político presentan obras inespecíficas como Fruto estranho? ¿De qué manera el arte latinoamericano contemporáneo redefine las nociones tradicionales de la estética para vincularla con una ética, una relación con el otro y, por lo tanto, con el mundo? ¿De qué forma la puesta en cuestión de la pertenencia redefine las maneras de comprender lo latinoamericano? Para responder estos interrogantes, Garramuño trabaja con obras de Mario Bellatin, Jorge Macchi, Tamara Kamenszain, Nuno Ramos y Clarice Lispector, entre otros, y teoriza sobre las numerosas transgresiones y desbordamientos de límites, campos y regiones que exhiben estas exploraciones. Tal como sostiene la autora, «las prácticas analizadas en este ensayo articulan, en la construcción de una inespecificidad que se constituye en el retiro de todo sentido de pertenencia y pertinencia, otra forma de pensar el potencial crítico del arte».

Laura Malosetti Costa se ocupa aquí del retrato como soporte de la memoria afectiva y la idealización o deformación caricaturesca de ciertos personajes públicos a lo largo del tiempo, en su doble dimensión de arte y documento. Su análisis está centrado en los retratos más perdurables de algunas figuras heroicas de la independencia latinoamericana. Examina críticamente la ausencia casi total de retratos de Juana Azurduy y la problemática fijación de su imagen; la inadecuación de los retratos de Belgrano al estereotipo masculino del guerrero revolucionario; la imagen “blanda” del traicionado Miranda, y la construcción del tópico del héroe moderno en Simón Bolívar y Artigas. Además, en el cruce entre fotografía y pintura, analiza los retratos de San Martín, Javiera Carrera, Esteban Echeverría y Lucio V. Mansilla, y observa que muchas veces no prevalece la verdad o la estricta semejanza, sino la adecuación a las ideas que se sustentan con cada figura heroica. Finalmente, indaga acerca de la capacidad de algunos retratos para sostener afectivamente comunidades imaginarias —tanto de devoción como de odio—, en dos casos paradigmáticos del siglo xx: Ernesto “Che” Guevara y Eva Perón. Retratos públicos es, en palabras de la autora, “el análisis de aquellos retratos de héroes y próceres latinoamericanos que han impactado en muchas generaciones, procurando comprender cómo se fueron instalando en el imaginario colectivo, cómo fueron concebidos y recibidos, qué hay en ellos de poderoso y persistente para hacerlos triunfar sobre otras imágenes del mismo personaje histórico”.

El arte participa de nuestra manera de ver, sentir, percibir y pensar. Las personas nos conmovemos, hallamos consuelo o sublimamos nuestras emociones más intensas ante las grandes obras maestras, que desempeñan un papel vital en el entramado de convicciones, certezas y saberes prácticos que intervienen en nuestra visión del mundo.

Los ensayos reunidos en este volumen ponen el acento en el modo en que el arte actúa en nuestras vidas, individual y colectivamente, configurando nuestro mundo simbólico y proporcionándonos, al mismo tiempo, las claves para interpretarlo y transformarlo. Así, Ricardo Ibarlucía aborda aquí temas diversos: desde la función cultural y social de las llamadas “obras maestras”, hasta la secularización de la belleza en una tela de Rafael Sanzio, la erotización de la máquina en Marcel Duchamp y las vanguardias de principios del siglo XX, la poesía de Paul Celan y la música de los campos de concentración, y las resonancias biográficas y filosóficas de una frase del historiados Jules Michelet, conocida a través de una cita de Walter Benjamin.

Ibarlucía sostiene que, aun cuando no tengamos conocimiento de ellas, las obras maestras urden secretamente la trama de nuestra vida psíquica mucho maw2s de lo que creemos, puesto que participan no solo en la elaboración de los criterios con los que valoramos el arte, sino también, y en no menor medida, en la construcción de nuestra identidad individual y colectiva. De este modo, apunta: “Este libro aspira a dar testimonio de una esperanza irrenunciable en la creatividad humana”.

A diferencia de la utopía queer, que se manifiesta como aquello que todavía no está aquí, la marronidad ya está desde siempre entre nosotros. Prestarle atención implica entrar en sintonía con ese suelo vasto y vital que comparten las existencias precarias, incluso las no-humanas. El sentido de lo marrón se compone de lo orgánico y de lo inorgánico: sentimientos, sonidos, animales, vecindarios, comunidades de inmigrantes y sustratos minerales. Lo que hace que sean marrones es la manera en que sufren y luchan juntas, pero también su habilidad para prosperar bajo presión y coacción. Son marrones porque han sido devaluadas por el mundo exterior a su comunidad, y lo son, además, en la medida en que irradian vitalidad y persistencia. Muñoz nos invita así a ir más allá de cualquier noción de etnicidad como una condición fija (lo que alguien o algo es) y entenderla, al contrario, en términos performativos (lo que alguien o algo hace). Nos encontramos aquí con otro de los ejes centrales de su obra: la performance. En un mundo organizado por los mandatos culturales del sentir blanco, la producción de artistas como Tania Bruguera, Ana Mendieta o Nao Bustamante nos conecta con ese sentir distinto que, ante la herida común, busca otras formas de pensar e imaginar.

Oscar Masotta es una figura crucial en las
transformaciones del campo cultural argentino entre los años cincuenta y los
setenta. Intelectual tan lúcido como voraz, sus múltiples y móviles intereses
entrecruzan la fenomenología, el existencialismo, la semiología y el
estructuralismo, entre otros paradigmas. Siempre se reclamó marxista, pero
lejos de cualquier ortodoxia intentó una aproximación crítica al peronismo y a
la cultura popular. Su labor como crítico literario en la mítica revista Contorno y su rol como introductor del pensamiento
de Lacan en el psicoanálisis de América Latina y España son bien conocidos,
mientras sus intervenciones (no solo teóricas sino como impulsor) dentro de la
vanguardia artística y la historieta empiezan a ser recuperadas en los últimos
años. Teóricos, curadores y artistas hallan en él un fértil semillero de ideas
y experiencias que complejizan los relatos sobre la vanguardia artística de los
sesenta y llevan a considerar sus incidencias actuales, sus anticipaciones y
sus caminos truncos.Vinculado activamente a los artistas experimentales
nucleados en torno al Instituto Di Tella, propuso una serie de nociones clave
tales como desmaterialización, discontinuidad y ambientación para entender las
radicales mutaciones del arte. Su aporte no fue solo teórico: en 1966 se volcó
a producir happenings y obras comunicacionales, tales como Para inducir al espíritu de la imagen, El helicóptero y El mensaje fantasma.
Acompañó al grupo Arte de los Medios, hoy considerado uno de los hitos de los
inicios del conceptualismo en el mundo. A contrapelo del clima fuertemente
antiintelectual que predominaba entonces, defendió la labor teórica como un
modo especíco de intervención política emancipadora.En este volumen se reeditan los inhallables textos
escritos por Masotta sobre cuestiones artísticas en los años sesenta, incluidos
en sus libros El pop art (1965), Happenings (1967) y Conciencia y estructura (1968), así como otros
escritos dispersos.Ana Longoni

Nacida en Buenos Aires, Argentina.Artista plástica, multifacética, videoartista, música y performer. A los 19 años, con la irrupción de la dictadura militar, tuvo que irse del país y emigrar hacia otros destinos. Vivió en Madrid, Los Ángeles y México, lugares en los que se formó permanentemente con diferentes maestros y experimentó distintas vías de expresión: la música, la actuación, la pintura, la instalación, el diseño de objetos, la performance.De modo paralelo a su camino artístico Marina se aproximó a disciplinas vinculadas con la espiritualidad y la sanación, lo que le permitió profundizar su compromiso social y el trabajo con la vulnerabilidad, la falta de recursos internos y la discapacidad.El 17 de diciembre de 2011 regresó a Buenos Aires con su muestra “El humor alarga la mirada de la inteligencia”, expuesta en el Museo Evita. En 2012 la misma fue inaugurada en el Centro Cultural del Bicentenario de Santiago del Estero, en coincidencia con un viaje a esa provincia de la presidenta Cristina Fernández de Kirchner. Al año siguiente la artista se trasladó a Alemania para exponerla en la sede de la Embajada de Argentina en Berlín y en abril de 2015, en el marco del 130 aniversario de las relaciones ruso-argentinas, viajó a Rusia junto con la presidenta para participar con esta muestra de la gran exposición “Evita, la embajadora de la paz”. La gira mundial de “El humor alarga la mirada de la inteligencia” incluyó también las ciudades de Mallorca, Barcelona y París.La obra de Marina aloja un discurso equilibrado entre imágenes cotidianas y un universo onírico propio, en el que la pintura navega por una apuesta de color audaz y un compromiso social y político que se acrecentó después de su regreso al país. Entre otros temas, ella pinta escenas del peronismo, de Eva Perón y de Juan Domingo Perón en distintos escenarios que evocan un espíritu romántico, rebelde y transgresor.De modo paralelo a su camino en la plástica, comenzó a abrirse hacia otras disciplinas y formas de comunicación mediante talleres de recursos creativos y transformación de emociones con la pintura, y también a través de la música, para guiar procesos de reconexión con la libertad y la identidad.Durante el año 2020, ante la dificultad y el dolor que provocó la pandemia en infinidad de aspectos de nuestras vidas, sintió la necesidad de estar en contacto con la gente a través de su arte de manera masiva y popular. Por ello tomó la decisión de reproducir su obra en pósters y, así, generar la posibilidad de que todo aquel que no tiene la opción de acceder a un museo pueda tener una reproducción en su casa. Es una idea que, como artista, la llena de orgullo y alegría. De esta forma sus imágenes han estado viajando por todo el país.Marina Olmi es una militante comprometida con este momento de la historia que atraviesa la Argentina. Su mirada personal se orienta hacia cómo transformar la realidad a través del amor y cómo acompañar ese proceso desde la creatividad, fomentando los recursos propios de todas las personas para que puedan expandir sus potencialidades y tener voz propia.En varias oportunidades, sus obras fueron elegidas por Cristina Fernández de Kirchner como representativas de nuestro país y nuestra historia para ser entregadas como obsequio a diferentes presidentes con algunos de los cuales compartimos miradas. Así ocurrió con Xi Jinping, Evo Morales, Lula Da Silva, Xiomara Castro, Emmanuel Macron y Rafael Correa.Más allá del resultado de su creación, Marina consiguió instalar una modalidad de trabajo que consiste en trasmitir lo que significa atravesar un proceso transformador, compartiendo la receta de su mayor tesoro, que no solo es el arte, sino la experiencia de descubrir otros espacios como la autoestima, la libertad y los recursos propios. Por eso en cada muestra o mural que lleva a distintos lugares ofrece talleres para trabajar y compartir esa energía con personas de todas las edades y con capacidades diferentes.

"En estas páginas, hemos tratado de recrear lo que hacía el hombre miles de años atrás, cuando habitaba las cavernas: salía a cazar o a recolectar alimentos y luego se reunía alrededor del fuego para contarse historias de vida y dejarlas registradas en las piedras. Desde el neolítico contamos con el legado testimonial de los protagonistas de su tiempo. La memoria de la humanidad se conserva en las obras de arte, los documentos científicos y los hábitos sociales que dan continuidad a la especie. (...) Con Carlos Alonso abordamos el desafío de ponerle dibujos y palabras al cuerpo humano. Un intento de encarnar historias de vida, la búsqueda utópica de un trazo o una palabra que nos aleje de la muerte. Se trata de descubrir un cuerpo objeto y sujeto. Nos alienta la convicción de percibir en las entrañas un alumbramiento próximo que nos llena de vida. Una pulsión alquimista de fundir el oxígeno de la pintura con el hidrógeno de las palabras y ver nacer el agua. Dejar un testimonio de nuestro tiempo es la utopía que nos convoca a seguir viviendo. El sentido de este libro tan sentido." Carlos Presman

Los Libros de apuntes 2015-2023 continúan la saga iniciada con el volumen 1990-2014 y compilan los proyectos, obras y creaciones de los últimos años, que nos permiten descubrir una producción artística tan o más sorprendente que la anterior, enriquecida por la madurez que alcanzan sólo los grandes maestros.
Como siempre, está presente el imaginario peronista representado por los cabecitas, el descamisado gigante, Evita, los gorilas, íconos que en la visión del artista adquieren un protagonismo que interpela, cuestiona y también ilumina, sumando en esta oportunidad un nuevo desafío: enfrentar los mecanismos de imposición del neoliberalismo como expresión de la codicia y el daño brutal que le causa al pueblo argentino. En su obra, Santoro sigue transmitiendo lo que él piensa es el peronismo: "una promesa de felicidad insensata dentro del capitalismo".

DANIEL SANTORO
Daniel Santoro estudió en la Escuela de Bellas Artes Prilidiano Pueyrredón. Realizó más de treinta muestras individuales en Argentina y el extranjero. También publicó e ilustró numerosos libros, entre ellos Manual del Niño Peronista, Mundo Peronista, Evita para principiantes, Rimbaud para principiantes, Los siete locos, Manual del Niño Neoliberal y La Escolástica Peronista Ilustrada.
Entre sus principales premios figuran mejor libro de arte 2003 por el Manual del Niño Peronista - Asociación Internacional de Críticos de Arte (AICA)-, Primer premio Dirección de Museo Fundación Banco Ciudad 1996, Premio Konex de Pintura 2012.

En este libro, Andrea Giunta analiza obras que en distintos momentos historicos introdujeron formas de indisciplina y ampliaron el universo de lo representable en el arte. Se centra en la obra de artistas latinoamericanos que quebraron las limitaciones que dificultaban su visibilidad en el mundo del arte por pertenecer a grupos sociales excluidos (como las mujeres racializadas, las dejadas de lado por cuestiones etarias, entre otros). En los cuerpos y las miradas de estos artistas se pone en juego lo distinto, lo diverso, lo divergente en relacion con las normas que regulan lo normal, lo admitido, lo que se reconoce. Luego del exito de Feminismo y arte latinoamericano, Andrea Giunta repiensa el lugar de las disidencias en el mundo del arte a partir de ciertos artistas latinoamericanos. Para historiadores del arte, interesados en temas de genero y diversidad y lectores de historia cultural latinoamericana.

Autor y periodista conocido por sus reputadas novelas gráficas: Palestina y Gorazde. Ambas obras le han proporcionado el aplauso del público y crítica por igual, siendo galardonado por su maestría a la hora de plasmar hechos reales en las páginas de sus cómics.